Este año nos encontramos, como siempre, con una cantidad impresionante de lanzamientos que abarcan todos los géneros musicales, reafirmando el papel destacado de Colombia en el panorama musical global. En medio de esta abundancia de producciones, seleccionamos 30 álbumes que lograron cautivarnos a lo largo del 2024. Estos no representan la totalidad de lo destacado, sino una muestra de lo que, desde nuestra perspectiva, resulta esencial para entender la actualidad musical del país. No existe un orden jerárquico entre los discos seleccionados; decidimos organizarlos alfabéticamente para evitar cualquier juicio de superioridad y respetar la diversidad de criterios. Esperamos que sigan explorando la música de estos artistas en 2025, que sus repertorios se enriquezcan con estas obras y que los inspiren tanto como lo hicieron con nosotros. Que el próximo año traiga más música nueva y mejores condiciones para los creadores y el público que sigue apostando por nuestras bandas.
2AT – KREMALLERA
KREMAYERA encapsula la esencia del sonido experimental y adictivo del disruptivo sello Muakk, una mezcla que redefine los límites de la guaracha al incorporar elementos de emo, metal, distorsión, jungle, drum and bass o indie. Este álbum, presentado a través de la disquera, no sólo refleja el viaje de 2AT por las escenas DIY del emo y el indie en Bogotá, sino que también consolida el característico estilo del sello del que es cofundador como una propuesta innovadora dentro de esa extraña y difusa etiqueta del latincore. Es un álbum en el que el músico bogotano construye una dialéctica signada por el juego, la experimentación y el libertinaje, dando rienda suelta a una reflexión sonora de su contexto y temporalidad que sirve como colorida pincelada para ampliar el retrato expansivo de la representación latinoamericana, no ya para los mercados anglo parlantes, custodios celosos del sonido electrónico, sino para nosotros mismos en un ejercicio decolonial que lo mismo deconstruye como enfatiza una serie de estereotipos asociados a nuestra raza plural para reivindicar los esfuerzos de una nueva serie de productores que están redefiniendo el juego. Para bien y para mal.
Alambrada – Ríos de sangre
Una descarga de hardcore frenética rompe el suelo con su estruendo para abrir un río espeso de sangre y muerte. Alambrada regresa después de su abrasador álbum de 2021 para corroborar el lugar esencial que tienen en nuestro mercado esta plural estética. Como si se hubieran anticipado al vacío de representación del punk en el pasado Rock al Parque, la banda presentó a mediados del año uno de los álbumes más ruidosos, estridentes y contestarios del 2024. Entre alaridos y percusiones cavernícolas, la banda bogotana da forma a un paisaje desolador, post urbano, en el que el caos y el ruido son la divisa de cambio para abrirse un lugar en el mundo. Es, sin embargo, una concatenación de estéticas sofisticada en la medida en la que bebe de varios referentes para construir un sonido propio, abordando influencias locales hasta sonidos de la primera ola del hardcore italiano.
BALTHVS – Harvest
Harvest marca un momento clave en la evolución del trío colombiano, consolidando su posición como referentes en la psicodélica contemporánea. El disco simboliza una etapa de madurez creativa y profesional, destacándose por ser el primero compuesto colectivamente por sus tres integrantes: Balthazar Aguirre, Johanna Mercuriana y Santiago Lizcano. Este álbum combina armonías vocales tratadas como instrumentos y una diversidad de influencias que van desde el funk y la cumbia hasta sonidos electrónicos. Así las cosas, para los detractores de la banda, resultará en una sorpresa constatar que cada vez están más lejos de su primera y más evidente influencia, los sonidos de bandas como Khruangbin, para beber de sonidos más lejanos e inquietantes, como puede ser la música turca o las guitarras de Azerbaiyán. Este álbum reafirma la identidad artística e invita al público a sumergirse en un viaje sonoro que celebra la conexión y el crecimiento, lejos de comparaciones innecesarias y, a la más de las veces, celosas.
Branbel – OTRACOSA
Con OTRACOSA, Branbel debuta como una de las voces más frescas de la música caleña contemporánea. Este álbum es una celebración de los barrios de Cali, de su gente y de las historias que los definen, dejando de lado los estigmas asociados a estas comunidades para destacar su esencia alegre, trabajadora y llena de sueños. Branbel logra capturar esta visión a través de una fusión única de afrobeat y sonidos del Pacífico colombiano, creando un álbum que, en palabras del propio artista, “te transmite paz, tranquilidad y amor”. Inspirado en el afrobeat de artistas como Ohma Lay, Rema, Roger y Victony, Branbel incorpora sus influencias internacionales en un estilo personal que también bebe de sus raíces locales. Este diálogo entre lo global y lo regional da lugar a una propuesta sonora que rinde homenaje a su herencia afro y a la riqueza cultural del Pacífico colombiano. Branbel canta sobre la fortaleza, el amor y la belleza que inspiran sus letras, explorando también los sueños de los jóvenes que aspiran a ser futbolistas, cantantes o profesionales, mostrando que en el barrio siempre hay esperanza y razones para soñar.
Carlos Rizzi – Teselas
Teselas, segundo álbum del productor bogotano, se establece como una obra de arte fundamental dentro de la música electrónica independiente de la actualidad colombiana. Este proyecto sonoro no sólo transita por los paisajes del glitch, el ambient y los breaks, sino que explora también las complejidades emocionales del duelo y la reconstrucción interna desde una estética deconstruida de sonidos que parecen apelar a una ruptura personal antes de que podamos reparar con oro nuestras grietas. Desde su concepción hasta su ejecución, Rizzi ha tomado las riendas de cada aspecto, impregnando el trabajo con una narrativa profundamente íntima reflejada en cada decisión técnica y creativa. El nombre Teselas alude a las diminutas piezas que forman un mosaico, una imagen que simboliza cómo el dolor nos fragmenta para luego reconfigurarnos en algo renovado. Además, Rizzi asumió un reto integral al encargarse de todos los elementos del proceso creativo: producción, mezcla, masterización y diseño gráfico tanto del álbum como de sus sencillos.
Cero 39 – R.A.B.I.A.
R-A-B-I-A encapsula la intensidad y complejidad de la vida moderna a través de una fusión vibrante de electrónica de club y texturas analógicas. El quinto trabajo del proyecto emerge como un testimonio sonoro de los tiempos convulsos, en los que la constante transformación y las emociones desenfrenadas toman forma en diez temas que exploran lo visceral y lo absurdo de nuestro entorno. R-A-B-I-A es un reflejo de una Bogotá marcada por el estallido social y los discursos que oscilan entre lo polémico y lo absurdo, dando lugar a una "neo rabia" que se convierte en el alma del disco. El álbum se despliega como un viaje narrativo que enfrenta la furia interna y la transforma en un estallido sonoro lleno de armonías complejas, sintetizadores vintage, frecuencias moduladas y colaboraciones internacionales. La presencia de MULA, Paraísos, Darja, MEDIOPICKY, y otros artistas amplifica la experiencia. Con esta entrega, CERO39 demuestra una vez más su capacidad para crear mundos sonoros que encapsulan emociones profundas mientras invitan al movimiento.
Corredor polaco – Fábrica para quemar recuerdos
Corredor polaco es el último fichaje de la fructífera factoría de melancolía que es Discos Maraña. Nacidos en la post pandemia en la capital del Quindío, la banda presentó temprano en 2024 su debut, Fábrica para quemar recuerdos. El lanzamiento llega a romper con elocuencia las estéticas agotadas de la cultura melancólica inspirada en la estética gótica que prolifera en ciertos nichos musicales de nuestro país. En un tour de fuerza, la banda combina los elementos principales de su sonido post punk con visos de death rock, punk y dark wave para dar forma a un ejercicio de composición frenético y solipsista, uno en el que la voz gira sobre sí misma, atrapada en un cuerpo angustioso del que no puede escapar. Corredor polaco recuerda a sus influencias evidentes, pero no suena a ninguna, en la medida en que están construyendo su propia amalgama de sombras y ruidos, de angustias y rupturas. Es un lanzamiento refrescante para los amantes de lo oscuro, una gramática del dolor escrita en gruesos caracteres germanos de los que mana sangre, lágrimas y rímel.
daadø – Sentimientos no encontrados
En su álbum debut como solista, Daniela Cancelado, desdoblada en daadø, construye un paisaje de frágil belleza, una acuarela introspectiva que tiembla sobre el éter luminoso de la tarde como una pompa de jabón. Sin embargo, no es un ejercicio solipsista. Es, antes bien, un ejercicio de hermetismo en el que el mundo interior de la sobresaliente compositora se interconecta con todos nosotros al reconocer que las experiencias de las que da cuenta son transversales a todos los individuos. Sentimientos no encontrados es un disco vibrante y envolvente que desarrolla una serie de texturas que beben de la improvisación jazzística para construir un universo propio en el que las fantasías y ensoñaciones de Cancelado se entretejen a una voz vegetal que ha sido alterada por la máquina para generar una sensación de extrañamiento pues, detrás de la producción y el artificio, se siente la voz que respira y trata de aprehender el mundo a partir del ejercicio de enunciarlo en canto. Sentimientos no encontrados es un debut sobresaliente a cargo de una música muy humana. Su belleza no puede pasar desapercibida.
Dawer X Damper – AAA
Con AAA, Dawer X Damper demuestra que el arte puede ser tanto un refugio como un espejo incómodo. Este álbum no es una obra musical únicamente: es una narrativa que se posiciona en el epicentro de lo cotidiano y lo marginal, resignificando aquello que, en el imaginario colectivo, se etiqueta como de “segunda”. El título mismo del álbum interpela: ¿qué significa ser “AAA” en un mundo donde los estándares son impuestos por élites y la cultura popular se relega a los márgenes? Desde el primer momento, AAA se presenta como un álbum profundamente conceptual, a pesar de la facilidad de transmisión del mensaje a través de dinámicas musicales populares. En sus siete canciones, Dawer y Damper explora la capacidad de las comunidades para transformar carencias en soluciones, manteniendo siempre un ojo crítico sobre las desigualdades que esas mismas carencias evidencian. Este es un disco que habla de una Latinoamérica imperfecta, pero que encuentra belleza en su propia imperfección, un mensaje que resuena especialmente en tiempos de globalización y homogenización cultural. AAA es un mosaico que honra las raíces del Pacífico colombiano, pero no se queda atrapado en ellas. Los sonidos tradicionales se combinan con ritmos urbanos, creando un paisaje sonoro que se siente fresco, sin perder la conexión con sus orígenes.
Daniel Michel – Mambo Negro presenta: Pointe a Pitre
Con el lanzamiento de Mambo Negro Presenta: Bogotá—Pointe a Pitre, Michel deja el trasfondo para ocupar el centro de atención. Este álbum, grabado entre su ciudad natal de Guadalajara, México, el epicentro de Mambo Negro en Bogotá, y los legendarios estudios Debs en Pointe a Pitre, Guadalupe, representa un paso adelante en la consolidación de su huella artística. El disco despliega un universo sonoro en el que cada pista brilla con identidad propia, alternando entre matices atmosféricos y momentos vibrantes. Con un tono dub y melodías impregnadas de influencias antillanas, Michel recuerda las texturas de sus proyectos colectivos, como La BOA y Bandejas Especiales, donde los metales son protagonistas. El disco mantiene un delicado equilibrio entre texturas sintéticas y percusiones nítidamente grabadas que aportan un toque humano. Esta interacción entre lo digital y lo analógico no sólo define la estructura del álbum, sino que también rinde homenaje al proceso musical mismo, creando una experiencia auditiva que conecta tradición e innovación.
Damaged Clock – The Key to the Future
The Key of the Future despliega un viaje sonoro electrizante que fusiona electro, breaks y elementos ácidos con ecos de synthwave y wave music, ofreciendo una experiencia inmersiva y cargada de energía. Es un disco de una belleza incomprendida en el que el productor colombiano desarrolla una estética propia que parte de sus muchos años de aprendizajes como parte central de la movida de oscura electrónica que se ha venido cocinando en la capital con colectivos como el de Antimateria. Cada pista es una experiencia única: la euforia de “Fiesta Pesada” contrasta con la introspección de “We Are Lovers”, mientras todas las piezas convergen en una narrativa de descubrimiento y evolución. Este álbum no solo redefine horizontes musicales, sino que también abre la puerta a un capítulo vibrante en el arte contemporáneo. Es un disco milimétricamente orquestado, una sinfonía nocturna y delirante que se construye con una atención al detalle que sobrecoge y seduce, la evidencia de por qué el productor, ávido siempre de más, prepara un disco con más de un centenar de pistas para 2025.
Domingo Chalá – Vallenatos del rio Atrato
El 2 de mayo de 2002, milicias de las FARC y las AUC se enfrentaron por el control territorial de Bellavista, Bojayá, en el Chocó. En una masacre sin precedentes, cientos de personas convirtieron su grito en ceniza. En esa ocasión, mientras otros huían del horror, Domingo Chalá se quedó para enterrar a las víctimas, brindándoles dignidad, incluso en la muerte. Más de veinte años después, el juglar del Medio Atrato convirtió sus recuerdos en una colección de canciones que honran la memoria de quienes ya no podrán cantar, pero que siempre tendrán voz. En este contexto nace Vallenatos del río Atrato, el primer álbum del casi octogenario Domingo Chalá, un documento que recoge canciones que tuvieron su semilla en medio de ese fuego histórico, germinando sobre una tierra yerma que los muertos escarban desde el subsuelo para volver a bailar en su territorio. El río, que para Domingo Chalá es una fuente de inspiración y un eje en sus composiciones, también simboliza la conexión entre las comunidades y su historia. Es un disco enfático en su carácter nemónico, exhortando a no olvidar los cuerpos que signaron con su sangre las páginas de nuestra historia. (Parte de este texto se publicó a través de El Enemigo).
Dot Drama – Surcos
Dot Drama, dúo bogotano formado por Halb Maschine y Ela Vann, presentó en 2024 Surcos, lanzado bajo el sello Píldoras Tapes que captura la esencia del synthwave y la reimagina con un enfoque fresco y atmosférico. A lo largo de sus seis pistas, Surcos combina voces distorsionadas, cajas de ritmos clásicas y saxofones que resuenan con el espíritu del sonido industrial de los años 80, mientras añade una sensibilidad contemporánea que los distingue en la escena actual. Grabado en un tiempo récord de una semana, Surcos cristaliza la identidad sonora de un proyecto hipnótico y oscuro, cargado por la frialdad de las máquinas y la energía vital que da vida a saxofones misteriosos y nocturnos. Además, cada uno de los remixes evidencia las plurales posibilidades del proyecto, que se erige elegante como un ave en la noche que presagia el fin de una etapa y da inicio al principio de otra, misteriosa. Este trabajo, fruto de años de colaboración, consolida a Dot Drama como un proyecto que equilibra la nostalgia sonora con la innovación.
El Kalvo - Los tres golpes
A estas alturas no debería sorprender que las canciones de El Kalvo estén entre las mejores del año: es uno de los MC más inquietos e inquietantes del contexto colombiano. Sigue sorprendiendo, sin embargo y como lo hará siempre, su habilidad para construir conceptos complejos alrededor de tótems cotidianos, su emocionante capacidad de ver el mundo conocido con ojos nuevos y las posibilidades casi infinitas de su voz divertida y socarrona. Los tres golpes continúa trabajando sobre la figura de la comida en el contexto nacional, como lo había hecho con sus dos EP de 2020, Bitute y Galguerías. Nos encontramos aquí con el Kalvo más histriónico, alternando su voz ronca en la personificación de un predicador, el locutor de una emisora popular, su yo infantil y una versión destruida de sí mismo que busca recuperar su energía entre espesas piscinas de grasa y costilla en un desayunadero sobre la Avenida Caracas. Es, sin embargo, el Kalvo más sincero y personal, jugando al escondite detrás de una cortina de la que asoman sus tennis curtidos por el asfalto y la pedaleada constante por una ciudad que ama y que recorre como pocos. Los beats de de Hi Kymon son acertados y elocuentes, creando un diálogo que dignifica al grueso poblacional del país: el de los almuerzos en coca, el de los trancones en el transporte público, el que pide sin excusarse que le regalen un segundo vasito de jugo de curuba en el corrientazo de la vecina. Porque estaba seco en el pescuezo.
Emilsen Pacheco y su grupo bullerengue tradicional de San Juan de Urabá – Cuando el negro canta, el eco resuena
Emilsen Pacheco, uno de los más grandes exponentes del bullerengue en el Urabá, regresó tras ocho años de silencio discográfico con Cuando el negro canta, el eco resuena. Este álbum, el tercero en su carrera, reafirma su posición como custodio de una tradición viva. Grabado en bloque en los estudios de Tambora Records en Bogotá, en julio de 2019, este trabajo reúne 12 temas que recorren los sonidos del bullerengue sentao, fandango y chalupa. Con 11 composiciones originales de Pacheco, el disco transmite la esencia de un legado cultural que se nutre del verso, el toque y las historias cotidianas de la vida afrodescendiente en el Caribe colombiano. La música de Pacheco tiene raíces profundas en el Urabá antioqueño, donde aprendió a tocar el tambor observando a maestros como su tío y perfeccionó su arte practicando en casa, “pegándole al techo” cuando no tenía tambor. Su grupo, Bullerengue Tradicional de San Juan de Urabá, con más de cuatro décadas de existencia, es un testimonio vivo del complejo cultural del bullerengue, que incluye cantos, bailes y relatos que reflejan el espíritu de su comunidad. Cuando el negro canta, el eco resuena es una celebración de una herencia viva de la que es señor y custodio, una obra que resalta la conexión entre la tradición y la innovación, reiterando la figura del maestro como parte fundamental de la música tradicional colombiana en 2024.
Fin del Valle – Estomas
A veces hay que llegar a la frontera última para descubrir maravillas insospechadas que dan pinceladas de bellezas a un mundo marcadamente gris. A veces toca ir a la frontera del Fin del Valle, el proyecto solista del músico y promotor Tomás García, para descubrir la relación mágica entre las aves y las plantas, cómo el canto de las primeras estimula el crecimiento de las segundas. Estomas, segundo álbum de García, nace de ese lugar, pero va mucho más allá. A través de la síntesis electrónica y una construcción melódica hipnótica, el productor ha construido un álbum de rara belleza, como un ave desconocida que se yergue en la frontera última del mundo, que apela a esos estados liminales en los que la frontera entre el sueño y la vigilia se desdibuja, un no lugar en el que la consciencia se encuentra en un espacio y tiempo mientras que el cuerpo permanece pesado y pétreo en su prisión atómica. Es un disco sofisticado y puro, minimalista en sus partes y expresivo sin grandilocuencia. Estomas juega entre dos mundos y el viaje no siempre es ameno, pues explica también la parálisis y el letargo, ese espacio como arenas movedizas del que no podemos escapar hasta que la sombra nos traga, para devolvernos renovados al siguiente amanecer.
Junior Zamora – Joyas del barrio
Aguablanca, un epicentro artístico y cultural fundamental en Cali, lleva cinco décadas nutriendo el panorama creativo. Desde que una ola migrante llegó al área tras los Juegos Panamericanos de 1971 y el maremoto de Tumaco en 1979, este lugar ha sido escenario de dinámicas complejas donde la creatividad brota sin cesar. En este contexto surge Junior Zamora, una de las figuras más impactantes de la última década en la música del país, quien está transformando el R&B al fusionarlo con una identidad profundamente arraigada en las historias y vivencias de las cuatro comunas que marcaron sus primeros pasos. En el marco de una historia cultural diversa, Zamora se ha convertido en uno de los principales exponentes de un sonido novedoso e hipnótico que trasciende las fronteras geográficas de “pedazo”, como se le conoce al barrio, para construir un relato multiforme en el que las dinámicas sociales, preguntas por la identidad y el arraigo, además de aquellas relativas a los secretos más profundos del corazón, tienen espacio. No hay necesidad de oro: este barrio está tapizado de joyas brillantes y pulidas que chispean bajo el abrazo ígneo de un sol que no se oculta.
Kei Linch – Dulcinea
Karla Lucía Cajamarca es un ejemplo claro de cómo la dedicación puede transformar vidas. Su origen humilde en el municipio de Madrid, Cundinamarca, y las dificultades que enfrentó en un hogar liderado por su madre y abuela, figuras de fortaleza y perseverancia, podrían llenar páginas. Pero detenernos en esa historia sería caer en clichés lacrimosos. Lo verdaderamente relevante es que Kei Linch se ha consolidado como una de las voces más imponentes de la nueva generación de rimadoras que surgieron durante la tercera década del milenio. Dulcinea, su primer álbum solista, es un ejercicio en el que reconfigura las maneras de lo urbano, navegando con gracia entre géneros para construir un relato completamente personal en el que la fama, el desamor, la tristeza y la celebración libidinosa de dos pieles que se encuentran, para no separarse, convergen en una entrega discográfica que subraya la relevancia de esta figura en el panorama del hip hop nacional. Kei Linch es una fuerza imbatible, ingobernable, implacable. Su trabajo reitera el fértil suelo para quienes hacen de la rima un arte, para quienes encuentran en cuatro compases una bitácora infinita para narrar el mundo.
La Pambele – Nací mestizo
La Pambelé reafirma su lugar en la salsa contemporánea con Nací mestizo, su segundo disco, una obra que trasciende lo musical para adentrarse en reflexiones sobre identidad, territorio y pertenencia desde una perspectiva profundamente bogotana. En este trabajo, la agrupación canaliza su diversidad cultural en composiciones que combinan la tradición salsera con una narrativa urbana marcada por las vivencias cotidianas en la capital colombiana. El álbum destaca por su capacidad para abordar temas sociales y políticos, al tiempo que conserva el espíritu contestatario y festivo de la salsa. Canciones como la colaboración con Nicoyembe en el tema homónimo del disco refuerzan el vínculo de la banda con sus raíces afrocolombianas, mientras reinterpretaciones de clásicos como “Maligno” de Aterciopelados y “Ghost Town” de The Specials evidencian su versatilidad al explorar nuevas fronteras para el género. Con un enfoque que conecta la tradición salsera de los años setenta con elementos frescos y contemporáneos, La Pambelé reivindica a Bogotá como epicentro de su sonido y crea un puente entre generaciones, revitalizando el género para un público joven.
La Rueda - Calentando la nevera
La Rueda celebró dos décadas de tradición y fiesta con el lanzamiento de Calentando la nevera, un álbum que encapsula la esencia vibrante del bullerengue y otros bailes cantaos afrocolombianos con un respeto por la tradición que se agradece en el momento cultural en el que la raíz tiende a erosionarse al ser combinada, y depurada, con ritmos modernos. Con 15 temas originales, este trabajo discográfico es un viaje rítmico que mezcla los aires del bullerengue, el son de sexteto y la tambora, creando una experiencia sonora que invita al baile y la celebración. La agrupación, conocida por llevar su música a espacios no convencionales y convertir cada encuentro en una rueda llena de gozo y movimiento, reafirma con este álbum su compromiso con la tradición y la innovación. "alentando la nevera se perfila así como una de las producciones más auténticas y contundentes del panorama musical colombiano en 2024. Es importante que las músicas tradicionales sirvan como punto de partida para la creación musical de nuevos intérpretes, pero es igual de relevante que exista un interés desde los sellos y los mercados musicales de mantener viva una herencia que ruge y clama para recordarnos su carácter de resistencia.
La sonora Mazuren - Magnetismo animal
Sumándose a la ya rica escena de tropicalidad alternativa, esta orquesta monumental se ha convertido en un hito psicodélico de las rumbas nocturnas capitalinas y Magnetismo animal es una contundente evidencia del poder que logran conjurar en un vivo demoledor y explosivo. Es una celebración de la pluralidad social, pero también de las vertientes que inspiran su sonido: cumbia, chicha, guaracha, champeta y otros estilos, principalmente de Ecuador, Colombia y Perú que conjugan con una actitud desparpajada que abraza plenamente un universo DIY y un estudio cuidadoso de las formas como nuestra cultura mestiza continental ha creado estrategias de participación colectiva que enriquecen y nutren las músicas vivas, reinventándolas en sus formas. Es un álbum que enseña la guitarra eléctrica con orgullo, mientras que reitera la importancia de la percusión afro andina y las formas de un folclor continental al que se accede desde el respeto y la distancia, habitando este traje de carnaval y disrupción con honestidad y bailarina solemnidad. Es un disco que se sabe hijo de una tradición, pero que no busca encontrarse en los sonidos sabaneros que hicieron millonario a Toño Fuentes sino que trasciende la mimesis y propone nuevas dinámicas en torno a nuestro folclor.
Lil Keren – QUEEN OF TRAP
Con este álbum debut, fruto de cinco años de dedicación constante, Lil Keren marca un momento crucial en su trayectoria como artista y expande las fronteras del trap al incorporar elementos de afrobeat y funk, dando forma a un sonido que sólo podría gestarse en la capital del Valle del Cauca. Así las cosas, ofrece una propuesta vibrante y única que destaca en la escena urbana del país y la región. El disco traza un camino sonoro que oscila entre lo sombrío y lo desafiante, encapsulando la intensidad y profundidad de su visión artística. Su música, cargada de contundente energía, se inspira en su experiencia personal y en las historias de su barrio, abordadas con una perspectiva afrocolombiana llena de fuerza y orgullo. Es un álbum que no pide perdón, ni permiso. Un compromiso estético con una identidad musical que reflexiona sobre el papel de la mujer en la industria, los manidos juegos de orgullos y que se monta en un ego trip que es consecuente con un talento locuaz e ingenioso que, a través de la construcción precisa de rimas, destruye una serie de arquetipos asociados a una de las formas más prolíficas del urbano contemporáneo.
Monte – Las cosas que se rompen
No confundir con el también excelso proyecto solista de Simón Mejía, cofundador de Bomba Estéreo. Este Monte se erige majestuoso en la capital del departamento de Santander, espacio de grandes cantautores y ahora de vibrantes agrupaciones. Desde Santander, Monte entrega un álbum que abraza la ruptura como punto de partida para explorar el trauma, la entropía y las historias que surgen de lo fragmentado. En ocho temas, el sexteto transita con maestría por los sonidos del afro funk, el high life, el soukous centroafricano, las guitarras tuaregs y cumbieras, y la fuerza del rock psicodélico. El álbum, ganador de la convocatoria “Cultura Con Berraquera” de la Gobernación de Santander, contó con la producción de Daniel Rivera y la posproducción de Mario Serrano, figura clave en el sonido bumangués. Así. Monte ha tejido un disco que captura el espíritu de las músicas transatlánticas, transformando el dolor en catarsis y el duelo en movimiento.
Mula – Cúmulo abierto
Desde su primer trabajo en 2013, De carga pesada y patada fina, bajo la dirección del plural Santiago Botero, Mula ha construido un universo musical que fusiona el punk, el noise, el post rock y el rock progresivo, todo con un trasfondo de jazz libre que más que, antes que definir una identidad estética, funge como ethos creativo al dar cuenta de un proceso de experimentación y reinvención constante. Su más reciente álbum consolida esta esencia con una energía visceral, bajos oscuros y una inclinación marcada hacia lo hardcore, dejando en claro su rechazo a los límites estilísticos, mientras visos de frágil belleza en clave de ejercicios líricos declamados se concatenan con la brutalidad jumenta de un animal cargado de referentes y citas que se convierten en garabatos musicales cuando se superponen unos encima de los otros. Este conjunto de cosas inconexas genera un efecto de extrañamiento al combinar el trabajo de artistas sonoros como Ricardo Arias y Juanita Delgado y trovadores contemporáneos como La Muchacha, N. Hardem o Gato e’ Monte.
Muro – Nuevo dogma
Nuevo Dogma, tercer álbum de Muro, consolida su lugar como una de las propuestas más impactantes del hardcore colombiano. Conocida por la intensidad y pasión que impregna tanto sus presentaciones en vivo como sus grabaciones, vuelve a demostrar su unicidad en el panorama del ruido local. Mientras muchas agrupaciones luchan por capturar su energía en estudio, Muro consigue transmitir una electricidad cruda y visceral que ha sido su sello desde sus primeras producciones, jugando con un sonido chatarrero que oxida las puntas de su lanza para que la herida que deja tras su paso sea más certera y letal. Nuevo Dogma mantiene esa esencia, pero va más allá, mostrando una progresión musical notable a lo largo de sus diez canciones. Aunque el sonido se presenta con la aspereza característica del hardcore punk DIY, las composiciones de este álbum revelan una complejidad inesperada. Con riffs frenéticos que remiten al hardcore internacional de los años ochenta, el disco también explora una diversidad de estilos, texturas y ritmos. Sin embargo, la presentación cruda y deliberadamente primitiva de Nuevo Dogma es parte esencial de su experiencia, reflejando el espíritu DIY que define a la banda colombiana.
OKRAA – La gran Corriente
La Gran Corriente está guiado por un poema escrito por el propio artista, que sirve como columna vertebral del proyecto. Este texto, dividido en los títulos de las doce pistas del álbum, reflexiona sobre la naturaleza ilusoria del tiempo y la realidad: “La tierra del olvido parece, pero no es real / La Gran Corriente rememora: El tiempo es una ilusión.” Estas líneas funcionan no sólo como un mapa conceptual, sino también como una invitación para el oyente a participar en un ejercicio de desaprendizaje. Desde un punto de vista sonoro, el álbum se aleja de los parámetros convencionales del ambient para incorporar elementos que remiten a los trabajos anteriores de OKRAA bajo el pseudónimo de Laudrup. Las técnicas de producción utilizadas, basadas en la experimentación y el azar, dieron lugar a lo que el artista describe como “accidentes creativos”, que se convirtieron en componentes esenciales del proyecto. El resultado es un álbum profundamente atmosférico y envolvente, que combina texturas sonoras experimentales con un fuerte componente conceptual.
Paula Pera y el Fin de los Tiempos – Fin de los Tiempos
Con una carrera que la ha llevado a colaborar con artistas como Esteman y Nicolás y los Fumadores, además de destacarse en escenarios como el festival Estéreo Picnic, Paula Pera ha logrado conquistar tanto al público como a la crítica. En 2023, fue galardonada con el premio Rompe de Amazon Music y, en 2024, recibió dos nominaciones a los Premios Nuestra Tierra en las categorías de "Mejor Artista Rock Alternativo Indie" y "Mejor Canción Rock Alternativo Indie" por su aclamado sencillo "Los Domingos". Su álbum Fin de los Tiempos explora emociones universales como el amor, la soledad, la amistad y el desamor, tejiendo una narrativa melancólica que se expresa a través de una combinación de indie pop y nostalgia pop. Este trabajo marca el cierre de una etapa significativa en su trayectoria artística, al tiempo que abre nuevas puertas para su sonido distintivo y su impactante puesta en escena, cargada de ingenua sinceridad y dolorido respeto por todas las historias que nos hacen quienes somos.
Rocca – Cimarrón
En Cimarrón, Rocca combina su profunda conexión con las raíces africanas y su vasto recorrido en el hip hop para ofrecer una obra que trasciende las convenciones del género. Este séptimo álbum como solista, grabado entre París y Colombia, presenta 17 pistas que exploran el concepto de cimarronaje moderno a través de letras introspectivas y una producción que mezcla el rap hardcore con percusiones afrocolombianas y afrocubanas, creando un puente entre lo ancestral y lo contemporáneo y llamando la atención sobre el interés espiritual del MC bogotano. El álbum destaca por su enfoque análogo en la mezcla y por resistir las tendencias del mainstream, celebrando en cambio la herencia cultural latinoamericana. La producción musical estuvo a cargo de Dj Duke y del propio Rocca, dejando en Cimarrón un legado póstumo de Duke tras su fallecimiento, que imprime una dimensión adicional de significado a esta obra. Es un álbum crudo que aborda el lado más oscuro de las urbes, los espacios liminales entre sombras que configuran fronteras invisibles que sólo el rapero colombiano se atreve a transitar armado de sus rimas.
Salt Cathedral - Before it’s Gone
El dúo colombiano radicado en Nueva York se reafirma como una de las propuestas más inquietas y visionarias del panorama musical con Before It’s Gone. A través de una mezcla de sonidos electrónicos, influencias caribeñas y letras profundamente introspectivas, Juliana Ronderos y Nicolás Losada presentan una obra que indaga en las complejidades de la modernidad, las ansiedades colectivas y la persistente esperanza que emerge frente a la adversidad. El álbum se desarrolla como una reflexión sobre el tiempo, nuestra relación con el futuro y la manera en que las dinámicas actuales —desde la tecnología hasta las crisis climáticas— moldean nuestras vidas. La voz de Ronderos, etérea y cargada de intención, guía al oyente por una narrativa que alterna entre lo íntimo y lo universal. Musicalmente, Before It’s Gone se mueve entre géneros con una fluidez asombrosa. Desde la elegancia minimalista inspirada en Bach en la pista titular, hasta la energía de un himno dance en “Thinking (‘bout you, ‘bout me)”, el álbum demuestra la capacidad de Salt Cathedral para desafiar convenciones y mantenerse fresco. Su uso de instrumentos no convencionales, como un tazón de cerámica convertido en percusión en “Cellphone”, evidencia una creatividad que no teme tomar riesgos. Y que funciona siempre.
Tupa – Éxitos de oro para hacer el mal
Continuando una serie de importantes lanzamientos para el ruido local, Distro Cefalia presentó este año uno de los álbumes más contundentes para el punk nacional. Éxitos de oro para hacer el mal es una cachetada certera en la cara del establecimiento, seguido por una patada en sus gónadas de tirano acomplejado y un escupitajo en su rostro falaz. Es una explosiva prueba de resistencia, un disco imposible de bailar en pleno pues, a pesar de su brevedad, lleva al límite el cuerpo del escucha conforme una frenética descarga de punk chatarrero lo impregna de efluvios tóxicos, develando la cara oculta de un sistema corrupto, bélico y violento. Con una construcción irónica de retratos a la manera de Suicide (“Loco de mierda” funge como una visión criolla de la espeluznante “Frankie Teardrop”), Tupa entra con las botas hacia arriba para reivindicar un estilo de vida que cada vez tiene más sentido a la luz del aburrido momento cultural que se avecina luego de una serie de recortes que pondrán en jaque los circuitos musicales independientes, por lo que la autogestión se enuncia necesaria. Contra todos y para nadie, Éxitos de oro para hacer el mal es uno de los álbumes necesarios del punk reciente colombiano.
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