El arte de TOOL: un recorrido visual a través de sus álbumes

​TOOL es una banda estadounidense de rock formada en Los Ángeles en 1990. La formación original incluía al vocalista Maynard James Keenan, el guitarrista Adam Jones, el bajista Paul D'Amour y el baterista Danny Carey. En 1995, Justin Chancellor reemplazó a D'Amour en el bajo.

La banda debutó con el EP Opiate en 1992, seguido por su primer álbum de estudio, Undertow, en 1993. Su segundo álbum, Ænima (1996), consolidó su reputación en la escena del metal alternativo, no sólo en la tierra de los valientes. Posteriormente, lanzaron Lateralus (2001) y 10,000 Days (2006), ambos aclamados por la crítica, que cimentaron su reputación como uno de los actos más inquietantes del universo del metal . Tras una pausa prolongada, TOOL regresó en 2019 con Fear Inoculum, reafirmando su relevancia en el rock progresivo. ​ 

La música de TOOL se caracteriza por su complejidad técnica, letras introspectivas y una estética visual distintiva. Su habilidad para fusionar elementos del metal, el rock progresivo y el arte visual ha cimentado su lugar como una de las bandas más influyentes y enigmáticas de las últimas décadas. Probablemente esta sea una de las presentaciones más esperadas de la edición de 2025 del Festival Estéreo Picnic, una que han esperado los escuchas de más larga data en el territorio latinoamericano y una promesa que por fin se cumple para los rockeros de los noventa.

El arte detrás de los álbumes de TOOL

Desde sus inicios, TOOL ha construido una identidad visual tan impactante como su sonido. Su discografía no sólo es una exploración musical, sino también un viaje a través del arte, la simbología y la percepción alterada. Jugando con elementos del Hermetismo y la Gran Tradición en el sentido de Julius Evola, como el heptagrama que remite a los siete principios de la Tabla Esmeralda y relacionado con el número áureo, cada uno de sus álbumes ha contado con una dirección artística meticulosa, en la que se han involucrado diseñadores, ilustradores y artistas de renombre que han contribuido a la estética única de la banda.

Opiate (1992) – Diseñado por Adam Jones y Kevin Willis

El primer EP de TOOL, Opiate, marcó el inicio de su estética oscura y provocadora. La portada, creada por Adam Jones (guitarrista de la banda) en colaboración con Kevin Willis, muestra una figura de un sacerdote de rostro distorsionado, un reflejo del título del álbum, que hace referencia a la famosa frase de Karl Marx: "La religión es el opio del pueblo". Era un EP maduro que prefiguraba una identidad sonora explosiva, con una fuerte presencia de un bajo fangoso y una batería sincopada que complementaba la voz melancólica y furiosa de Maynard James Keenan, quien luego lideraría proyectos alternativos como A Perfect Circle y Puscifer.

Jones, antes de dedicarse por completo a la música, trabajó en efectos especiales y escultura para Hollywood, experiencia que se refleja en su enfoque visual y el acompañamiento en los videoclips posteriores de la banda. Kevin Willis, un diseñador menos conocido en la escena musical pero con experiencia en el diseño gráfico, aportó al concepto visual que comenzaría a definir la imagen de TOOL.

La edición original del EP tenía una estética cruda, con colores oscuros y un tono inquietante, sentando las bases para la evolución visual de la banda. Sin embargo, para la edición de aniversario, TOOL comisionó una reversión del sacerdote al artista gráfico bosnio Adi Gravov, quizás mejor conocido por ser uno de los diseñadores conceptuales del Universo Cinemático de Marvel e ilustrador de la misma franquicia de cómics y novelas gráficas.

Para ello, Gravov apeló al universo visual y simbólico de la banda en la que destaca la idea de la transmutación humana de la verdadera alquimia, así como el uso de una serpiente que remite a varias tradiciones, principalmente la judeocristiana o la representación de la transformación y curación de la Serpiente de Caduceo, emblema de la ciencia médica. Adicionalmente, la figura principal está rodeada de siete sacerdotes con diversos elementos sostenidos entre sus manos deformadas, lo que podría remitir a los guardianes de los misterios de la tradición hermética o a los siete planetas principales de la alquimia (Sol, Luna, Mercurio, Venus, Marte, Júpiter y Saturno), relacionados con la Tradición.  

La portada de Opiate transmite un mensaje de transformación, de lucha interna, y de la búsqueda de algo más allá de las ilusiones y distracciones que ofrece la vida cotidiana. En conjunto con la música del EP, la imagen parece invitarnos a liberarnos de las limitaciones autoimpuestas, los condicionamientos sociales y las falsas creencias, para acceder a una mayor comprensión espiritual. En resumen, la portada del Opiate de Tool (tanto en su versión original como en la edición de aniversario) es una representación visual compleja y simbólica, que refleja la exploración de los límites de la conciencia humana, la transformación y la conexión entre el cuerpo, la mente y el espíritu.

Undertow (1993) – Diseño de Adam Jones, fotografía de Kent Mathieu

Para su primer álbum de estudio, TOOL amplió su visión artística con un diseño más refinado pero igualmente perturbador. La portada de Undertow muestra una escultura de una costilla roja flotante sobre un fondo negro. Esta imagen, creada por Adam Jones, transmite una sensación de disección y de vulnerabilidad. El libreto interior presentaba ilustraciones inquietantes, incluyendo la fotografía de un cerdo enjaulado, obra de Kent Mathieu, artista conocido por su trabajo en el arte underground. TOOL, en su estilo habitual, ocultó significados tras estas imágenes, sugiriendo interpretaciones que van desde el sacrificio hasta el consumismo.

La combinación de estas imágenes con la música del álbum consolidó la reputación de TOOL como una banda con una estética deliberadamente incómoda y simbólica. Sumado a la fotografía del cerdo, Dean Karr, quien también trabajó con Slipknot y Linkin Park, entre otros, fue el fotógrafo encargado de realizar una serie de imágenes para el librillo interior del álbum. En ellas aparece retratada la infame Laurie Ann Arden, además de una serie de retratos de la banda que evidentemente influenciaron el diseño de personajes del videoclip de “Closer” de Nine Inch Nails o la portada del Sehnsucht de Rammstein.

Las autoridades y algunos distribuidores consideraron que la imagen del cerdo era ofensiva y demasiado gráfica, lo que llevó a que varias tiendas en EE. UU. y otros países se negaran a vender el álbum con ese arte. Como respuesta, TOOL optó por cubrir las imágenes polémicas con una página en negro y un mensaje sarcástico que decía:

Algunas tiendas no consideraron apropiadas las imágenes contenidas en este álbum. Para evitar que su publicidad gratuita afecte nuestras ventas, hemos decidido reemplazarlas con esta imagen en negro.

Esta decisión reforzó el carácter provocador de la banda y dejó en claro su postura contra la censura. La fotografía del cerdo enjaulado ha sido interpretada de múltiples maneras. Algunos la ven como una crítica al consumismo y la explotación animal (tema muy presente en las composiciones de corte más ecologista de Maynard James Keenan en Puscifer), mientras que otros la relacionan con los temas de opresión y control que aparecen en las letras del álbum. TOOL nunca ha dado una interpretación oficial, manteniendo la ambigüedad que caracteriza su estética. Con el paso del tiempo, la portada original sin censura ha sido distribuida en ediciones limitadas y sigue siendo un objeto de culto para los fanáticos de la banda.

Ænima (1996) – Arte de Cam de Leon, diseño de Adam Jones y Kevin Willi

Con Ænima, TOOL llevó su exploración visual un paso más allá. La portada, diseñada por Cam de Leon, es una de las más reconocibles de la banda. Cam de Leon, un artista conceptual con una trayectoria en ilustración surrealista, creó una imagen que refleja los temas del álbum: transformación, destrucción y renacimiento. La portada original tenía un efecto lenticular que mostraba una imagen en constante cambio, en sintonía con la idea de evolución y percepción alterada que atraviesa el álbum. En el interior, las ilustraciones del artista amplificaban el aura esotérica del disco, con referencias ocultistas y figuras de apariencia alienígena. Cada una de estas apabullantes imágenes podía utilizarse en la portada del álbum, generando tableaus vivant que se transformaban con el movimiento. En la portada de Leon diseñó un cuadrado rodeado de humo que se movía furioso alrededor de ojos verdes que se abrían y cerraban, como una suerte de metáfora visual del despertar de la consciencia.

No sería un viaje sencillo, sin embargo. Influenciados por la psicología jungiana, la banda apelaba al ahora muy popular concepto de la terapia de sombras en un momento crítico de la superficialidad dentro del mundo del espectáculo en el que empezaban a adentrarse, luego de que el álbum se convirtiera en su primera carta de presentación para el mercado masivo: al año siguiente de su lanzamiento TOOL fue nominado al Grammy por el mejor empaque, galardón que recibiría la primera edición del compilado de Capitol Records Ultra Lounge mientras que su canción titular recibió el premio a mejor canción de metal en 1998, imponiéndose sobre titanes del género como Megadeth, Pantera y Korn, agrupación icónica del nu metal que había saltado rápidamente al estrellato con su tercera entrega discográfica, Follow the Leader, ilustrada por Todd McFarlane, uno de los más importantes artistas gráficos detrás del demoníaco cómic Spawn.

Entre las imágenes destacadas de Ænima estaba la pintura Smoke Box de Cam de Leon, que muestra humo animado y ojos envolventes, y Ocular Orifice, en la que la pupila del ojo rota completamente. También se incluye una foto del contorsionista Alana Cain, quien realiza una postura sexualmente sugestiva, acompañada de imágenes de los miembros de la banda desnudos, y una representación de un terremoto devastador en California, aludiendo a la canción “Ænima” y al sketch del fallecido comediante Bill Hicks sobre Arizona Bay, a quien TOOL dedicó el álbum, presentando también un homenaje en el que un Maynard James Keenan se mostraba como un hombre deforme siendo atendido por el comediante. Además, el inserto contiene una parodia de un catálogo de discos ficticios de Tool, y un error geográfico en la representación de los Estados Unidos, mostrando incorrectamente el Panhandle de Oklahoma como parte de Texas. Hasta ahora no se sabe si ello fue intencional.

El motivo recurrente del ojo no puede ignorarse en el álbum. Al mover la portada lenticular globos oculares flotantes entran o salen del portal animado, bien asumiendo la difícil tarea de la trascendencia personal o escapando de aquel complejo universo. Todo contacto con lo real es traumático, Lacan dixit.

Adicionalmente, “Third Eye” reafirma el motivo del despertar de consciencia: “Es tu glándula pineal y es un ojo. Enfoca la luz. (…) Si meditas, comprendes la idea del prana, la inhalación de luz a través de la glándula pineal. En la mitología, se habla de cómo la gente solía respirar de esa manera, pero con el tiempo, comenzaron a respirar más por la boca. Esa es la conexión que hemos olvidado... Tu consciencia es como una radiofrecuencia. Si giras el dial, todas esas emisoras de radio están ahí simultáneamente. Puedes sintonizar para escuchar la emisora ​​que quieres. La consciencia es igual. A través de la meditación, puedes alterarla, puedes acceder a una realidad alternativa. Las drogas son un atajo para eso. La clave está en comprender realmente el medio que usaste para llegar allí”, expresó el cantante de la agrupación en una entrevista de 1996. La canción, de hecho, tiene como introducción un sketch de Bill Hicks sobre la relación entre la música y las drogas.

Lateralus (2001) – Arte de Alex Grey

La estética de TOOL dio un giro significativo con Lateralus, un álbum que introdujo el arte de Alex Grey, un pintor visionario conocido por su enfoque en la anatomía espiritual y la psicodelia mística. La portada y el diseño interior muestran figuras humanas con sus sistemas musculares y energéticos expuestos, en un estilo que recuerda a ilustraciones médicas pero con un trasfondo esotérico. Grey, quien ha explorado temas de conciencia y trascendencia en su obra, encajó perfectamente con la nueva dirección de la banda.

Cada capa del librillo de Lateralus estaba impresa en hojas transparentes, permitiendo superponerlas para revelar distintas estructuras del cuerpo humano, desde lo físico hasta lo espiritual, en un diseño que reflejaba la complejidad sonora del álbum. ​El arte de Alex Grey en Lateralus de Tool profundiza en la interconexión entre la conciencia humana y el universo, utilizando imágenes que reflejan experiencias místicas y espirituales. Grey parece haberse inspirado en la composición titular, basada en el principio de correspondencia del hermetismo: “As below so above and beyond, I imagine/Drawn outside the lines of reason/Push the envelope, watch it bend” explica la canción, para luego añadir “I embrace my desire to/ Feel the rhythm, to feel connected/ Enough to step aside and weep like a widow/ To feel inspired/ To fathom the power/ To witness the beauty/ To bathe in the fountain/ To swing on the spiral/ To swing on the spiral to/ Swing on the spiral/ Of our divinity/And still be a human”.  ​ 

En la portada del álbum, Grey presenta una figura humana con una espiral que asciende desde la base de la columna vertebral hasta la cabeza, simbolizando el despertar espiritual y la expansión de la conciencia. Esta espiral se asocia con la secuencia de Fibonacci, reflejando la armonía y la proporción presentes en la naturaleza y el cosmos. ​La obra "Oversoul" de Grey, incluida en el libreto del álbum, muestra una red de figuras interconectadas que representan la unidad de la conciencia colectiva. Esta imagen ilustra la idea de que la música y el arte de Tool son caminos hacia una comprensión más profunda de nuestra existencia compartida, una herramienta a la que se ha referido Keenaan sobre la intención de la música de la banda.

Además, la representación de la figura humana fusionada con elementos cósmicos y orgánicos en el arte de Grey refleja la creencia de que la conciencia humana está intrínsecamente conectada con el universo. Esta visión se alinea con las enseñanzas de Dzogchen, que distinguen entre la mente dualista y la naturaleza no dual de la mente, simbolizada por un espejo que refleja todas las cosas. La colaboración entre Tool y Alex Grey ha sido fundamental para crear una experiencia sensorial completa, donde la música y el arte visual se entrelazan para explorar temas de espiritualidad, autodescubrimiento y la conexión entre todos los seres. Esta sinergia invita a los espectadores a embarcarse en un viaje introspectivo hacia la comprensión de su propia conciencia y su relación con el cosmos: “así como es arriba es abajo”, combinando el plano físico, el mental y el espiritual.

10,000 Days (2006) – Arte de Alex Grey

TOOL volvió a colaborar con Alex Grey para 10,000 Days, álbum que mantiene su exploración de lo espiritual y lo metafísico. La portada muestra un rostro en llamas rodeado de patrones geométricos que evocan experiencias de expansión de la conciencia. Lo más innovador del diseño fue el empaque del álbum, que incluía unas gafas con lentes estereoscópicos que permitían ver las ilustraciones en 3D. Este detalle convirtió el arte de 10,000 Days en una experiencia interactiva, algo raro en la industria musical.

Las imágenes de Grey dentro del libreto exploraban temas de iluminación, el viaje del alma y la conexión con dimensiones superiores, complementando la carga emocional del álbum, en gran parte inspirado en la muerte de la madre de Maynard James Keenan. El arte de 10,000 Days de Tool está profundamente influenciado por las experiencias místicas y espirituales del artista, particularmente sus viajes con sustancias alucinógenas como la ayahuasca y el DMT. La cara del CD está adornada con una espiral logarítmica de ojos estilizados, adaptada de una pintura previa de Grey titulada Collective Vision. Esta espiral simboliza la expansión de la conciencia y la percepción espiritual, características clave en el trabajo de TOOL. A

En varias entrevistas, Alex Grey explicó que sus ilustraciones para 10,000 Days se basan en las visiones que experimentó durante sus viajes con ayahuasca, una planta utilizada en rituales chamánicos en algunas culturas prehispánicas. La portada del álbum fue descrita por Grey como una "visión ardiente de una cuadrícula infinita de cabezas divinas" que experimentó durante uno de estos viajes, evocando una imagen de trascendencia y conexión con lo divino. Además, el propio Grey señaló que el arte de 10,000 Days también está inspirado por una experiencia con DMT, otra sustancia psicoactiva conocida por inducir visiones intensas.

Estas experiencias de expansión de la conciencia y contacto con lo espiritual están claramente reflejadas en las ilustraciones del álbum, en las que el uso de geometría sagrada y representaciones de la conciencia humana como un todo conectan lo físico con lo místico. De esta manera, el arte de 10,000 Days no solo complementa la música de TOOL, sino que refuerza su exploración de temas como la espiritualidad, el despertar de la conciencia y la interconexión entre el individuo y el universo. A pesar de la profunda complejidad del empaque y su sentido simbólico, que mereció un Grammy a mejor empaque en 2006, el álbum no fue recibido con el mismo entusiasmo que anteriores entregas, a pesar de la complejidad lírica de sus composiciones.

10,000 Days se centra en la evolución y maduración de la conciencia humana, ofreciendo una reflexión sobre los errores cometidos por la humanidad y la importancia de superar el sufrimiento. Las canciones exploran experiencias personales y espirituales, como la necesidad de dejar ir el dolor y enfocarse en lo que realmente importa. En “Wings for Marie/10,000 Days”, Maynard James Keenan reflexiona sobre la muerte de su madre, mostrando su lucha con el concepto de fe y lo que significa el sacrificio, mientras trata de reconciliar su escepticismo con el amor incondicional que recibió de ella. El álbum, aunque sigue explorando temas como la alquimia junguiana y la expansión de la conciencia, se siente más personal, como una reflexión final sobre el viaje de transformación espiritual iniciado en Ænima y Lateralus.

Fear Inoculum (2019) – Diseño de Adam Jones y Alex Grey

El regreso de TOOL después de 13 años vino acompañado de una evolución en su dirección artística y en la resignificación de su sonido. Fear Inoculum mantiene la estética espiritual de Alex Grey, pero con un diseño más sobrio y refinado. La portada presenta un patrón geométrico en espiral que simboliza el crecimiento y la repetición, un concepto alineado con la estructura musical del álbum. La edición especial del disco incluyó una pantalla de video incorporada en el empaque, mostrando animaciones hipnóticas que acompañaban la música.

El trabajo de Alex Grey en este álbum es más sutil, con menos representaciones anatómicas explícitas y más enfoque en formas fractales y patrones que evocan la idea de expansión de la conciencia. Adam Jones también tuvo un papel clave en la dirección artística, asegurándose de que la estética del álbum reflejara la evolución de TOOL tanto visual como musicalmente.

Adicionalmente, se lanzó una edición de lujo del álbum, que incluía una pantalla HD de 4 pulgadas (con material de video exclusivo), un altavoz de 2 vatios (que añadía una canción adicional llamada "Recusant Ad Infinitum") y un libro de 36 páginas, disponible para pre-ordenar el mismo día que la edición digital fue presnetada. En noviembre de 2019, se presentó una "edición de libro ampliada" del álbum, que contenía todas las canciones de la edición de lujo, pero sin la pantalla electrónica ni los altavoces. Esta versión incluía gráficos lenticulares, un libro de letras e ilustraciones adicionales, enlaces para descargar la experiencia de video y la canción extra de la edición de lujo, así como el CD de audio.

El arte y el empaque de Fear Inoculum reflejan de manera destacada la dualidad presente en cada ser humano, representada por dos figuras humanoides que se contraponen. El álbum transmite el mensaje de que uno puede crear su propio camino, adoptando la idea de que "el lobo que alimentas es el lobo que gana". El oyente puede decidir perderse en la tormenta que es "7empest" o, como expresa la canción titular, puedes dejar de lado a quien lo engaña. Cada ser humano tiene el poder de elegir cómo ver la vida y cómo decide vivirla. La mejor forma de vivirla, según parece decir TOOL en su característico simbolismo, es sin miedo, sin temor al cosmos, a la Tierra, a los demás y a uno mismo. Al final del día, se trata de inocular al miedo, hacernos indiferentes a sus flagelos y pesadillas.

El arte de TOOL no es un complemento secundario, sino una extensión de su música y filosofía. Desde los primeros trabajos de Adam Jones hasta la incorporación de artistas como Cam de Leon y Alex Grey, cada álbum ha sido una obra visual en sí misma. La evolución en el diseño de sus portadas refleja su crecimiento como banda, desde lo oscuro y perturbador hasta lo místico y trascendental. Más allá de la música, TOOL ha logrado crear una identidad artística que trasciende lo convencional, ofreciendo a sus seguidores una experiencia multisensorial en la que el sonido y la imagen forman parte de un mismo viaje.